No hay un record marcado de la obra de arte más grande exhibida en una galería, o al menos no encontré un dato único, principalmente porque es muy difícil de definir.
Tenemos artistas como Richard Serra, que crea obras esculturales laberínticas de hasta 5 metros de altura, o las experiencias que nos ofrece Olafur Eliasson, como cuando creó un “sol” artificial con cientos de lámparas monocromáticas y una semicircunferencia luminosa reflejada en un techo cubierto de espejos, generando la ilusión de un círculo completo, en el Turbine Hall del Tate Modern de Londres, una sala de 155 metros de largo.
Hay obras que necesitan espacio para decir lo que tienen que decir. ¿Qué impulsa a un artista a trabajar en una escala tan desbordante? Para Mark Rothko, el gran formato no era una cuestión de espectacularidad, sino de cercanía, pintar en grande era una forma de envolver al espectador, de transformar la mirada en una experiencia física y emocional. Como él mismo dijo: “I paint big to be intimate.”
Así que esta semana me dediqué a buscar grandes formatos y me encontré con estas obras maravillosas que comparto hoy contigo:
1 - Walk The House x Do Ho Suh
Do Ho Suh, es escultor y trabaja con grandes instalaciones. En 2025 hizo su primera exhibición en solitario para el Tate Modern de Londres, llamada “Walk the House”.
Suh, reconstruyó los lugares que habitó en Seúl, Nueva York y Londres, las tres ciudades que, en diferentes momentos, llamó hogar. Invitándonos a recorrer la arquitectura como si fuera un mapa de la memoria.
La expresión “walk the house” proviene de su infancia en Seúl, cuando los carpinteros construían la hanok donde creció. Estas casas tradicionales coreanas podían desmontarse y trasladarse a otro sitio y hacer “caminar la casa”.
Esta idea atraviesa toda su práctica: el hogar no es un lugar fijo, sino algo que llevamos con nosotros, una red de recuerdos y relaciones, siempre en tránsito. El uso de materiales ligeros acentúa esta idea y convierte la arquitectura en algo transportable.
La casa que vemos abajo es la famosa Hanok de su infancia, realizada mediante frotado en grafito sobre papel de morera, con una estructura de aluminio e iluminación LED. La obra, de más de ocho metros de largo, no es una réplica en el sentido convencional, sino una transferencia directa de la superficie original: cada pared, cada interruptor, cada marco fue registrado mediante el proceso conocido como rubbing.
El artista presiona el papel contra los elementos para obtener su textura.
La luz, filtrada a través de la estructura, refuerza la sensación de estar frente a algo que parece sólido y etéreo al mismo tiempo.
Más que reconstruir su casa, Suh reconstruyó su presencia. La hanok es la memoria materializada, frágil y suspendida entre lo que es y el recuerdo.
2 - Tallando murales x Johanna Van Parijs
Johanna Van Parijs es una artista mixed media, diseñadora de interiores y sanadora intuitiva, nacida en Bélgica y radicada en Santa Teresa, Costa Rica, donde desarrolla su obra inspirada por el entorno natural.
El arte viene de familia, Johanna creció rodeada de telas, colores y libertad creativa gracias a su abuela, costurera y pintora al óleo.
Johanna, también pinta y te invito a que conozcas sus obras acá: Link
En la última década, su práctica ha crecido en escala y complejidad. De artista independiente pasó a dirigir un equipo y operar desde un taller y estudio en Cóbano.
Su producción actual incluye mobiliario a medida, puertas, murales de gran formato y piezas escultóricas.
Cada obra nace de un boceto en papel y avanza hacia dibujos detallados que luego se traducen en estas estructuras inmensas en madera. El proceso es lento, muy físico y repetitivo: cortar, tallar, lijar, pintar y volver a lijar, hasta que la pieza alcanza su forma final. Las vetas y variaciones naturales de los materiales aseguran que ninguna obra se repita, conservando cada objeto su identidad propia.
Me costó mucho elegir una obra porque realmente todas son muy impresionantes, tanto en tamaño como el cuidado que se percibe en cada detalle.
3 - Conservando el Arte Precolombino x Daniel Chaile
El artista argentino Daniel Chaile, es hoy el más buscado por las galerías internacionales.
En su obra, transforma el adobe (tierra, agua y alguna fibra orgánica, como paja) un material cotidiano, en esculturas monumentales que parecen presencias ancestrales. Construidas directamente en el lugar de exhibición, sus piezas dejan rastros visibles de su proceso, como cuando llenó de polvo la Marianne Boesky Gallery, de Nueva York.
Nacido en San Miguel de Tucumán, Chaile se inspira en las cerámicas y tradiciones precolombinas del noroeste del país, así como en las historias transmitidas oralmente por su familia. Sus esculturas son llevadas al extremo de la forma y la memoria, proyectándolas hacia el presente y preservando conocimientos que de otro modo podrían desaparecer.
Daniel, logró un puente entre lo ancestral y lo contemporáneo, encontrando en el arte una herramienta para conservar, cuidar y divulgar la memoria.
4 - Dan Nguyen
La obra de Dan Nyugen explora la tensión entre estructura y fluidez.
Trabaja principalmente con madera, creando esculturas que desafían lo que tradicionalmente esperamos de este material, pero conservando su calidez y tactilidad.
A veces suma otros materiales como concreto, cerámica y lana fieltrada, explorando cómo conviven la textura, el peso y el equilibrio.
Su camino hacia la escultura nace desde la arquitectura. Tras varios años trabajando en estudios, sintió la necesidad de alejarse de la lógica más rígida del diseño para acercarse a un proceso más intuitivo y físico. Ese movimiento le permitió explorar formas más libres, donde el instinto tiene tanto protagonismo como la estructura.
5 - La mirada de Brandi Kole
Brandi Kole, es artista mixed media y su obra lleva el arte textil más allá de lo tradicional. Trabaja con madera, papel, vinilo y cartón para explorar temas como la identidad, el género y la sexualidad, deconstruyendo objetos culturales, formando un diálogo íntimo y político sobre el cuerpo, y resignificando materiales que nos son familiares.
Su trabajo reciente combina bordado libre y performance digital. Usa la pantalla como espejo para explorar la vulnerabilidad de ser vistos y recuperar la mirada femenina.
Heredera de la tradición textil de su abuela, Brandi, usa materiales reciclados y reutilizados, contando historias que son personales y universales.
Antes de irme, te dejo 3 videos para el fin de semana😀
Ted talk de Olafur Eliasson: Link
Rothko: Este es un canal de YouTube hermosos que se llama “Great Art Explained” que super recomiendo, es en inglés pero podés cambiar la pista de audio a español. Link
Charla de Gabriel Chaile en el Museo Picasso de Málaga: Link
Si tenés una consulta o querés comunicarte conmigo, hacelo respondiendo a este mail Nos leemos el viernes que viene, ¡buena semana! :)